艺术家的自我介绍(艺术家们是如何看艺术的)

下面是好好范文网小编收集整理的艺术家的自我介绍(艺术家们是如何看艺术的)，仅供参考，欢迎大家阅读！

我的理解是:艺术家是探索人类灵魂奥秘的科学家。他们像探索自然奥秘的科学家一样地忘我地探索着人类灵魂的奥秘。

这里我整理了一份艺术家们是如何看待自己，如何看待艺术的真实资料。

赵无极在欧洲重新发现了中国哲学所特有的天人合一，虚静忘我的精神意境，作了一个似乎西方式的诠释

我不害怕衰老或死亡，只要仍然能够拿起画笔和颜料，我是无惧的。我只希望能有足够的时间完成我的画。我希望每一幅新画作，都比之前的更大胆、更自由。我每天都工作，慢慢工作，自己慢慢画，不是辛苦，只是我画得很慢，我很喜欢那过程”。《赵无极：绘画就是要不停地画，不停地画，不停地画》

50年代成为赵无极意识风格突破及确定的重要时期。先是将客观物体的外形进行抽象简化，以线条和符号将有形的物像世界，转化为无形的精神世界。简约的几何形看似随意散落，实际上相互牵引，组织成一个充满禅意的和谐世界。而在这种充满诗意的世界中，颜色和着色技巧是另一个重要元素。

杜尚如何看待艺术。——要将。概念与物体本身分开，他真的是在以这种方式来挑战“什么是艺术”，。这样的作品到底讽刺了谁？！

《吕佩尔茨的自述：绘画是什么》

绘画是造型艺术里可以称之为王者的人类学科。因为绘画是造型艺术里最具难度的。绘画的历史悠久，它的发展非常卓越。如果你想进入绘画，把它作为一种艺术现象的话，其实你要面对的是5000年以来的绘画历史。

如果你在绘画领域沉淀的时候足够长，而且你足够努力的话，你是能够画出一幅画的。但把这作为绘画的前提，它还是不够的，因为我们始终不能改变的关于绘画的特质是，你要把自己的个体性、独特性传递到绘画当中去。你必须要把一个那么久远的历史和自己作为个体的独特性结合在一起。

你必须要有这种扎扎实实的手艺活儿，它是一个前提，你必须一点点去习得它，你才能完成一幅作品。你必须有足够膨胀的“我”，你必须要把一个存在已久的手艺、行当，盖上你自己的印章。但是，这并不意味着你自己的印章就是你要远离这个行当。你具备了所有前面所说的这些前提，在这些前提基础上你又多出一点点，有那么一点超越，多出来的这一点点，就是我们所说的天才。

杜尚到博伊斯、克莱因，这些艺术家都试图通过自己的创作来终结艺术。当然他们试图给艺术带来的是全新的视角，带来一个全新的参照、比对，创造出一个新的观看艺术的方式、新的艺术见解。但是，先锋派艺术使以前那种大师消失了，所以出现了所谓纯粹先锋主义的图像，于是出现了很多乱七八糟、语焉不详的东西出现在博物馆和展览上。

《印象派的真实故事：将绘画革命进行到底》

1874年，我们的展览终于展出了。但每天都比昨天更惨，开展那天有175个参观者，一个月之后，最后一天54个。他们说我们在向美好的事情发动进攻，壁纸的初期都远比那一幅海景画完成得更多。有人说我的《日出·印象》令人无印象，从一个无礼的凌辱中出现了一个命名——印象派，一个名字，那是我们所有作品的唯一回报。

在我们1877年的第三次印象派主义展览，形式终于开始转变了，虽然非常慢。至少评论变得好一些了。

没想到毕加索和马蒂斯他们这么快就来革我们的命了。

希望历史能够记住我们——革命的印象派。

《罗斯科：我画的不是色块，而是人类最基本的情感》

当我还年轻的时候，对于我来说，艺术史孤独的，无所谓什么画廊，什么收藏家，也没有所谓的艺术评论，当然也不涉及金钱，然而那却是我黄金时代。因为我没有什么东西可失去，也没有什么东西期望去得到。如今，事情不一样了，吹牛的人满天飞，人们活动频繁，消费繁荣，也许这种情况更适合于这个世界。我并不想冒昧地去讨论这些，但是我知道，那些对这种生活趋之若鹜的人，他们内心深处，是苛求这些静默的作品蕴含的意境的，只有在那里扎根，我们才能成长。我们必须都去期望着能够找到它们”。

罗斯科经历了30年的财务窘境，他内心一直在挣扎，一个重大问题一直在困扰着他:艺术究竟能做些什么？它能洞穿那些平淡的日常生活吗？我们心底的那些原始情感：狂喜、痛苦、欲望、恐惧，正是它们令我们成为所谓的人类，艺术能使我们与它们联系起来吗？

“艺术最基本的问题，是关于在这个特别的文明中，建立人类的价值观”。

“我只对如何表现人类最基本的情感感兴趣，悲剧、狂喜、厄运等等。有些看了我作品的人们，会感到崩溃并放声大哭，这表明我传达出了那些最基本的人类情感”。

《里希特:我不明白为什么你说“在具象性和抽象性之间有矛盾”》

具象绘画和非具象绘画之间，不可能存在什么本质性的差异。二者都是图画，无论它们表现的是什么，它们运用的是同样的方法。它们所显示的并不是它们表现的东西，而仅是它们的外表而已。

艺术就是做点自己喜欢的，其实就是我们自身的情感的寄托罢了。那些漂亮的技术、手段只有被我拿来表达点什么时才有意义。我创作的意图无非在于：以最大限度的自由，用一种生动、可行的方法，将那些反差最大、矛盾最激烈的因素安排在一起，而不是去创造一个天堂。

抹糊让画变得更完整。未经抹糊的画里有很多错误的细节，所以整幅画都是错误的。抹糊可以让整幅画变得更无坚不摧，更超写实，更难以理解，就这么简单。

有人问我“如何看待自己的名望？是一种负担，还是你会忽略它？”

名望是没办法忽略的，有一部分是很美妙的，但你没时间作画了，这是个麻烦，所以也算是负担。

《草间弥生：你看懂我的原点了么？》

我不能独自活在这个世界上，地球是一个世界，但宇宙是无边无际的，我相信，我们的生或死，以及活着的意义，只是宇宙里一个小小的存在。通过艺术，我想谈论一些哲理和奥秘，以及生命的尊严。我想把我对这些东西的敬畏感，表现在我的作品里”。

我们必须借圆点纹饰，忘记自己的存在，将自己委身于不断前进的、永远的时光之流中，必须丧失自己的存在”。

“我坚信，战胜艰苦的环境，便是绝处逢生。我坚信，艺术中的创造性思维，是从孤独中产生的。我想，人类正因为可以孤独地面对艺术，才能坚强地开拓出自己的道路”。

“如果我尝试更努力地工作，我相信我可以达到另一个完全不同的世界，由于这种坚信，我可以继续活下去”。

《塞尚为什么被公认为现代艺术之父？》

“我的确取得了一些成就，但为什么成就的到来却是那么姗姗来迟，这个过程为什么又是那么艰难，难道艺术就是要求一个人像牧师那样，把自己的一生都要彻底地投入进去吗？！”

很多人说塞尚孤独，他自己也说“孤独最适合于我”。但是他真的孤独吗？在巴黎的城市生活中，他应该是孤独的。当他画画的时候，当他研究自己的艺术的时候，他根本不可能孤独。他的隐居不是被别人逼的，是他有意识要避开别人，不是巴黎抛弃了他，而是他要抛弃巴黎。他必须要抛弃别人的思想，抛弃别人对艺术的评论。

:《马蒂斯：我的画能抑制你的烦躁》

马蒂斯为什么在战争年代去表现舒适娴静呢？是因为他选择了另外一种武器，一种能够带给人们乐观情绪的责任。他把这个叫做“责任”：他想让当时的人们相信，像画面中这样，坐在阳光下的舒适生活，仍然是可能的，这是他的责任。

同样是绿色，1千克比半千克显得更绿”。马蒂斯想表达的意思是，如果要让色彩显得更浓烈，就必须大量地使用它，不能小块小块地用，只有画上一大片红色，才能让它在作品中足够显眼。他创造了一种在西方艺术史上从未有过的着色手法，他画中粗狂的色块，一点儿也不像现实世界，他打破了常规。在他之前的几百年里，各种绘画技法已经非常完善，公式化的绘画手法涵盖了光、影、透视，以及细节笔触，但为了抓住科利尤尔那转瞬即逝的神韵，他大胆抛弃了这些手法。他是希望让观者的视网膜感到震颤，目的是要把色彩的革命，在原来像梵高他们的基础上更加走向极致。

“我不能像一个奴仆那样抄袭自然。我是要解释自然。自然必须要服从绘画的精神。我绘画的目的就是要表达一种意境、心境”。

“我一生中，都试着在我的作品里表现出一种宁静，因为我自己就需要平静。”

没有人会没有那种时候，愤怒、不安、烦躁，在马蒂斯作品中，他创造出一些，能够停止这些的东西。他对美的形式的创造能够抑制人类意识当中的那些烦躁的东西，我们还能对一个画家要求更多吗？！

《大卫·霍克尼：摄像自绘画而来，现在又将回到绘画》

“如何画令人难忘的图片？真的没有人知道。当你创作的时候你并不知道你正在使它们成为难忘的图像，因为没有公式。如果有一个公式，会有更多难忘的图像出现。实际上并没有那么多这样的图像出现，大多数都轻易被人遗忘了，不是吗？”

霍克尼在伦敦泰特美术馆看过毕加索展览后，他惊叹于毕加索技法的千变万化，还在为自己的绘画寻找表现手法的他意识到，为什么要徘徊在一个小的领域里，在不断的自我复制中筋疲力尽，于是他开始各种试验性的表现手法。他确信，所有的风格，所有的绘画流派，对他来说，都是主观表达的可供借鉴的元素而已，他完全不受当时主流绘画教条的束缚，波普艺术、冷抽象、具象表现主义，甚至埃及风格，都在他之后的绘画中反复出现，并且以拼贴的方式并存于一幅作品中。《梵高：我没疯，我只是看见了人间的天堂》

“我并不想要孩子，我的作品就是我的后代”。

他的确有一个孩子：表现主义，而且还有许许多多继承人，德库宁、霍华德·霍奇金、波洛克……。梵高的遗产还有别的东西，他持有一个充满热情的信念，它比现代艺术中冠以的这个那个主义更重要。

“在大部分人眼里，我是怎样一个人？一个无足轻重的人？一个行为古怪的人？一个令人生厌的人？一个现在没有社会地位而且将来永远也不会有的人，一句话：万千俗人中最俗的那一个。那么好吧，即使这些绝对都是真的，若有机会的话，我将通过我的作品向大家展示，一个像我这样无足轻重的人，他的心中究竟有些什么？

《怀斯：我是个抽象画家，只不过他们还没发现》

当你能把握时，要去感受，去爱。去做吧，别等到失去了。

你需要突破自己，才能有所得。要知道，你不能总是缩在角落里，什么都不去做，这样不行。

我画我想画的，可能最后出来的画面构图是完全抽象的，也许是风中飘舞的羽毛，或者是海滩上的贝壳。最终，我会抓住那里一天中最好的景色。我觉得我很可能会变成一个抽象派，这不是因为会像抽象派那样通过绘画得到自由，而是因为客体本身已经没有故事，只剩下颜色和形状。就像我常说的，假如我画得真的好，我本可以在画《克里斯蒂娜的世界》时，不让她出现在画面上。主题中内容越少，画就越好，真的。

《奈良美智：悲伤时，我好想喊你的名字》

绘画经常会有瓶颈期，在那种情况下要继续画下去的话，就会有所不同了。所谓的瓶颈期其实应该算是一种上进心吧，有上进心就会觉得还有很大的伸展空间，要是再挣扎一番的话，可能就会出现转机；但是如果你不挣扎一番的话，转机肯定不会出现。尝试一次错了或失败一次之后陷入困境里，突然就来了灵感。这样领悟到一次的话，可能就停不下来了。转变总比一成不变要好”。

可爱不是艺术作品的标准。艺术要求的是能反映真实，是人生社会的真实情感的表达。真实的东西不需要理由。

“以前感觉没被人亲切地对待过，与人们的接触也没那么多，存在着一种孤独感，因为是在那种情况下画出来的，可能就变成那种面孔了。最近因为被人们亲切地对待了，很大程度上变得温柔起来了。”

《高更：绘画不是描写，而是表达》

“我想要快乐，只有自由的人才可以拥有的快乐。贫穷的滋味我已遍尝，饥饿谓何，寒冷谓何。我还犹豫什么，为什么不赶紧把欢乐尽情洒在我的画布上”。

“在这一年里，除了我在画作上的不断努力，我所拥有的只是来自巴黎的嘲笑，它们汹涌而来，企图阻挠我，剥夺我的勇气直到我放下画笔”。

“我反对自然主义，因为自然主义是相信眼睛，而艺术家应该是相信大脑。绘画不是描写，而是表达”。

《伦勃朗：所有伟大的绘画，都是为了留住时间》

如果你想保留被人爱抚，被人充满感情地爱抚的记忆，会不会拼命地在画布上堆砌颜料，在这层厚厚的颜料下面，透出的是无与伦比的温柔，伦勃朗意识到了死亡，意识到了生命的消逝，所有伟大的绘画，都是为了留住时间，把记忆具体地、色彩鲜明地呈现出来。他希望这幅表达了爱的作品能够不朽。如果你们担心自己忘记了疯狂地、大胆地、纵情地去爱一个人的感觉，请来看看这幅画。这就是爱之画。

《柳岸艺术：产品靠技术。情感靠艺术。所以艺术不是技术。》

真实的东西只有可信度、相当于产品说明书。艺术与技术的界限是把握人性的界限，即人与神的界限，真实与想象的界限。这些才是艺术家必备的对人性的体验能力，这是真正的能力。而只具备绘画技术的人他们所做所想的事大多都与艺术无关。况且他所学的都是别人的技术。艺术是独立语言。大师们的技术是为了建立自己的独立语言而创建的。不适合其他人使用，是艺术。所以你用别人的技术来表达你的情感语言。怎么看你都有抄袭的痕迹。你无法建立你自己的独立语言。

柳岸:我们知道艺术个性化的重要却很少思想个性化生成的条件，在新环境下调整原有文化， 1918年的个性语言不可能也是2008年的个性语言。作品不仅是与读者对话，实质上是艺术家与现实与时代的对话。自然科学的发展会给艺术家带来大量对灵魂科学探索的机会，而不是生产文化垃圾的生产者。那些与化妆品、与虚伪杂交的艺术，玩得好的也只是一场游戏而已。